艺术与哲学

契约或工件?

格雷格石提供了艺术的契约定义,以及其他艺术的想法。

每个画家,画廊查看器或哲学家​​可能都有自己的艺术定义。然而所谓的“硬案”比比皆是,这延伸了我们的艺术概念。它是否包括从海滩拔出并展出的“漂流木艺术”吗?或环境艺术,如Pat Falco的“云安装,摘要”,一个带有箭头的室外标志,在博物馆外的典型景观中向上指向的箭头?是否有可能锻造艺术的全面定义?

我应该强调开始定义艺术是一种不同的物质,而不是解释其本体,即,从说艺术品一旦被指定为艺术,就是艺术作品。正如amie thomasson笔记布莱克威尔美学指南(第18页):“本体论问题不询问哪些条件必须满足哪些条件,如果是艺术品,而是各种各样的实体,也是被视为不同类型的艺术艺术的范式(如瓜纳察月光曲或者艾玛),它问:这是什么实体?“所以,而不是解决在属性上脱落的“本体论问题”所接受的艺术作品拥有,让我们试图描绘他们的元素应该拥有。现有的定义通常分为两类。18新利真的假的首先是程序性或概念性方法,即“艺术是X”,X是一组特征或规则。其次是功能描述,即“艺术成就Y”,即Y是一系列活动或效果。我将从功能和程序两方面论述艺术是一种特定类型合同,隐式或显式,建立在交易或协作之上。

局和房间
局和房间由Kazimir Malevich,1913年

艺术作为协议

类似于法律合同,艺术需要一些或所有这些元素:

1)AN交换某种有价值的东西(律师称之为“对价”);

2)意图从创造者的角度来看(大多数情况下);

3)能力,从某种意义上说,艺术观众必须具有“味道,”兴趣,或者至少是基本的接受性;和

4)提供验收(单方面安排除外)。

我将一个接一个地解释这些基本面。

让我们从consideration开始,这是一个技术上的法律术语,与kindness的概念没有任何关系。这是交换物和交换物quid pro quo。

在商业交易中,有两种形式的考虑因素:买方的付款一方面,另一方面,卖方提供的商品或服务。将此框架应用于纯粹的财务条款,绘画,雕塑或诗(ETC)作为艺术家的考虑,而且购买价格是经销商,收藏家或博物馆。她画:他们付钱。但交易不需要百分之一:金钱不需要改变手。创造者可以简单地提供一个想法或观点,以换取接受的思想。她抓住了观众的想象力,他们可能会在令人愉快的阴谋中接受概念,印象或态度,以使艺术家和观众互动,就像享受经验的大脑的两个半球一样。凭借良好的艺术,这种心理考虑因素仍在继续 - 或许即使是长期之后 - 观众走出了博物馆,离开了剧院,或放下书。伟大的艺术避免饱腹感;它让你想要更多。

艺术改变了参与其中的人,产生了对产品本身的新诠释,扰乱了人们的认知,并形成了一种有机共生关系。作为我们思考核心的一部分,我们看到自己的思想或情感反映在一幅画、表演或小说中。我们相信诗人是在用一个巧妙的比喻来表达我们自己的情感。然而,我们也必须尽自己的一份力。我们的角色是重新想象甚至重构这个过程。如果艺术表达了我们,而不仅仅是艺术家,那么我们也是创造者。正如概念艺术家玛丽娜·阿布拉莫维(Marina Abramovi) ć曾经告诉她的观众的那样,“这件作品既是我的作品,也是你们的作品。”毕竟,这是一个艺术上的“我们”。甚至有人会说,创作者、作品和观众之间在某些方面的合作定义艺术。

到目前为止,我们已经看到了观众的观点,但是这是什么艺术家来自交易?除了任何纯粹的经济奖励之外,她的利益可能包括在创作本身的行为中表达有形媒介的思想或感受,或者在自我实现的心理乐观中,以及混凝器的心理乐趣,无论是否与观众联系。这些努力都不是成功的,单独的纯粹创造的进程可能就像艺术家为她的努力一样理解。

现在让我们前往艺术合同的第二个要素,意图。这可能通常是中心的,但实际上并不是必要的。如果一个创造者阐述了一份工作,这些工作会在结束时或让我们愚蠢的美容或洞察力,显然我们可以说她意思让艺术。但是,在我们称其为“艺术作品”之前,画家是否必须要有创造一种效果的欲望,而不是在画板上涂鸦?当马塞尔·杜尚(Marcel Duchamp)签署了一项日常便池' R。笨蛋,叫它喷泉,并在1917年在画廊展出,它是否自动成为艺术品?或者,当弗兰克•斯特拉(Frank Stella)和安迪•沃霍尔(Andy Warhol)为宝马(BMW)的“艺术汽车”(Art Cars)系列在普通汽车上作画时,我们如何描述结果?(宝马自己这样解释:“汽车设计的原始形式依然闪耀。(bmwdrives.com/bmw-artcars.php)。)在杜尚、斯特拉和沃霍尔的案例中,把汽车当作画布或把小便池当作雕像的艺术意图,可能只是决定去做艺术;或者甚至可能只是决定不是非艺术- 例如,不要以机械方式涂上车身店里的人的机械方式。

但它是艺术吗?目睹弗兰克斯特拉本人的这种Tautological解释:“设计是由艺术家制作的,所以它是艺术。”(这是由Calvin Tomkins引用的,'IT Art吗?',《纽约客》,2009年3月16日)。故事结局?可能所以,我会添加,即创建艺术的意图流过对象或事件进入世界,无论是为了艺术家的利益,还是观众。

斯特拉并不是唯一一个为艺术提供循环定义的人。马西娅·穆尔德·伊顿为证:

“x是唯一的艺术品,只有x是神器,x被视为一种疏忽文化的人被引导(感知和/或反射)到[a] X的审美性质。“
布莱克威尔美学指南p.74)

或乔治·迪基:

“一位艺术家是在制定艺术品中参与理解的人......一件艺术品是创造的一种艺术品,以便向艺术世界呈现。”
同i,p.58)

要了解这些定义,曾经是Tautolorical和Contextualual的,请考虑一个类比。如果我们说什么 -一个拉伊顿,一个运动员是一个足球运动员当且仅当她用球迷认可的符合比赛规范的球形物体踢球时?或-一个拉Dickie—足球运动员是指在一群球迷面前练习踢足球的人?这两种方法都可能导致错误的结论——要么是一个在后院练习击球的女人不是足球运动员,要么是一场在不懂规则的观众面前进行的比赛不是一种正确的足球形式。

简单地回到艺术的“困难案例”,首先注意到哲学家确实是有区别的伪影-由人手改变的物体-从自然物体比如马特洪峰,或者一棵树。也许我们应该从艺术的角度来思考,而不是简单的艺术的开/关等级制度越来越多的努力,从曾经的自然物体中产生越来越多的“艺术”?例如:a)从海滩上抓一个蛤蚌;b)按照原样将其构架起来,并在画廊或博物馆中展出;c)用颜料改变它或将它整合到一个更大的“雕塑”中;d)签署并出售;等等。这里问题的关键不在于创作者是否完全实现了她的艺术意图,而在于她是否有意去创造艺术。一方面,有人可能会说这只是一个翻盖它本身是一个非艺术的、自然的物体,所以创造者不能仅仅通过展示它就把它变成艺术。而另一些人可能会回答说,用这种简单的方式运用艺术家的心灵力量就能把它变成工作

也许一个更难的问题是是否有或可能是无意的艺术这样的东西?在这里,我们可能会转向Giorgio Vasari,这是一个着名的文艺复兴时期艺术家早期的艺术家,他在他身上生活最优秀的画家,雕塑家和建筑师(1550)告诉我们,在十三世纪末,教皇本笃艾克斯正在寻找艺术家在罗马工作。他的一位警察参观了佛罗伦萨,然后幼戈托被奴役,并要求一个男孩的工作样本。Giotto在红色墨水中蘸了刷子,并在现场绘制了一个完美的圆圈。朝臣认为北洛托正在嘲笑他,但艺术家回应了“这已经足够了。”事实上,对于教皇和他的顾问立即认识到这个男孩的天才并将他带到罗马。即使着名的圈子不是艺术,我们仍然可以将其分类为艺术,因为北托将其作为一个对象。

现在让我们转向能力,法律合同中的另一个基本要素。在法律上,“能力”一般意味着合同缔约方必须是良好的头脑的成年人。在艺术中​​,能力意味着创造者的一些技能或人才,以及观众方面的某种接受性或开放性。这些只是程度的重要性,并且数量最小。我们不会认为没有吸引的吸引人(杰克逊波洛克是一个案例) - 或盲目画家,因为这一事件 - 永远不会被归类为艺术家。同样,即使是最顽固的庸俗缺乏敏感性(你所知道的人可能想到的人)可能拥有一些享受绘画的能力,即使它是欧申赛德度假村的纪念品商店中销售的简单Beachscape。人们可能会争辩说只有的行为看着在一幅画中意味着观众有一点点能力,尽管是一分钟。

接下来让我们考虑一下提供和接受,也是具有法律约束力的合同的标准。如果一个艺术家把她的作品提供给画廊,那么事情就相对简单了。但即使是一个更早期的艺术交易也可能涉及“报价”。拿起画笔,试着用颜料来表达一种态度或一种情绪就足够了提供的艺术,无论听众是否参与。同样,任何对艺术的“接受”都不必是狂热的。即使是最基本的思想交流也可能符合条件。我们甚至可以说,完全的拒绝,甚至厌恶,自相矛盾地是一种“接受”,它封闭了契约的循环。比如,本世纪初,时任纽约市长的鲁迪·朱利安尼(Rudy Giuliani)在布鲁克林博物馆(Brooklyn Museum)举办了一场名为“轰动”(Sensation)的年轻英国艺术家展览,看看他的反应就知道了。法官大人被克里斯·奥菲利激怒了圣洁的圣母玛利亚,描绘了一个麦当娜,其中一个麦当娜用大象粪便制成的暴露乳房,周围的物品拼贴在第一个看起来像蝴蝶,但结果是女性的生殖器从色情杂志中剔除。在市长威胁要终止博物馆的资金后,它在联邦法院带来了一套诉讼,并在自由讲话。朱利亚尼着名又反驳道,“第一次修正案中没有任何东西,支持可怕和恶心的项目!”(华盛顿邮报》1999年9月26日)。在他的愤怒中,朱利安尼接受了这个作品作为一个挑衅的手工艺品,因此作为一个艺术对象。

哀歌
Giotto作为艺术家的证明:看看所有这些圈子哀歌,1305

艺术的超本体论

撇开契约理论不谈,我们现在来讨论一个相关的问题,我称之为“超本体论”。

艺术品的工作是一个独特的实体,具有暴政当局。由于任何集合设计师知道,PROP的明显存在超过它占用的物理空间。房间中间的椅子比最初出现的更不方便,因为一个人倾向于走在宽弧中,以避免碰撞的可能性。这是类似于发光存在艺术的。具有精神属性,喷出了具有重要意义的卓越。存在主义的Martin Heidegger(1889-197)谈到了艺术作为“不关心”,其中“一切普通和通常是一个不可思议的人”(“艺术作品的起源”,艺术和美丽的哲学,eds。Albert Hofstadter和Richard Kuhns,1964,PP.693-694)。海德格尔将经验与我们看到“在”的真相“(第665页)中的”闪耀“的体验。一个完全实现的工作企业超越任何我们经历直接或灵敏的东西:“耸立的内心本身就披露了一个世界并将这个世界保持在统治位置”(第671页)。本公开是一种增压形式的考虑形式,其使观众以不正确的方式受益。

这让我们走向新的艺术阶级。另一个存在主义者,Jean-Paul Sartre(1905-1980),分为三类:18新利真的假的本身就是(一个无意识的物体,像一棵树,它只是“是”);作为自身(有意识,自主实体);和being-for-others(一个有意识的存在相对于她周围其他有意识的存在的社会或政治身份)。根据这个术语,我认为艺术是“为创作者和观众而存在”。换句话说,它是一个为有意识的存在创造世界的实体。当我们进入工作领域时,我们不再关注博物馆地板对我们脚的压力,也不再关注房间里的喋喋不休。这就好像我们穿越了一个存在的黑洞的视界,一个无法返回的点,在那里观众、艺术家和创作结合在一起,超本体艺术的引力把我们拉进去。而粘结强度与工作质量成正比。低劣的艺术让人们注意到它的技术,使我们与它的内容疏远。一个优秀的作品包围着我们,使我们忘记了笔触,迫使我们生活在框架内。这种包罗万象的工作似乎限制了所有的言语,包含了所有可能的谓词。

百老汇Boogie Woogie.
百老汇Boogie Woogie,Piet Mondrian,1942年

隐喻与论据

亚里士多德说在他的诗论天才的定义就是隐喻的天赋——看到“异物中相似之处”的能力。但至少有两种隐喻。修辞隐喻——最常见的一种——“为了方便而压缩思想,为了唤起思想而扩展思想”,例如‘dead as a doornail’。相反,认知隐喻用于“发现和学习”。无论是修辞的还是认知的,有效的隐喻是“那些传达信息的人,因为他们所说的......或者我们的思想滞后只是一点点的”(“战略隐喻的富有成效的缺陷”,Tihame R von Ghyczy,哈佛商业评论,2003年11月11日)。在后一种情况下,图像的工作就是“因为它的相关性和意义并不完全清楚。事实上,它应该惊吓和拼图。“尽管如此,制造隐喻的过程是彻头彻尾的误导。例如,当Emily Dickinson写道时,“闪电是来自天空中的桌子的黄色叉子”,灯光真的是一个叉子吗?当然不是。相反,比喻是一个内置的谎言,使我们在比较中实现真相。

实际上,普遍与艺术高度相关的迹象,诗歌和符号学的研究所在隐喻,诗歌和符号学的根本上。诗人罗伯特弗罗斯特说,“诗歌提供了一个允许的一件事和意义的一种允许方式。”Umberto Eco更大胆地扣除了这个想法:“符号学原则上是一门研究一切可以用来撒谎的东西的学科”(符号学理论,1979,第7页。)

撒谎与否,我们可能会说艺术仅在元素,单独或组合,指向外部的内容时才能传达重要意义。(这里指出是指示,识别,代表,键入,符号化等的同义词 - 任何将思想层添加到明显的过程。)我们可以说最强大的艺术是“超级标牌”的系统。杰作之间的杰作能指(例如,书的图像)和意思(一个可以轻松携带的页面集合的概念),只能部分地拥抱参考(书架上的那本书)。意义存在于桥梁或等号中,平衡于比较的两边——能指与所指之间,艺术表现与所代表的理念之间。事实上,希腊单词“隐喻”的字面意思是“越过或越过”——本质上构成了一座桥。当一件作品所使用的符号在概念上远离其所指时,它的力量甚至是专制就显现出来了。从符号到意义的旅程越长,潜在交流的理解就越大。相反,越容易通过,影响越小。

有时在现代艺术中,这次旅程发展到辩证法- 智力论证 - 以创造者与材料作战的形式,或带有人物的作家,有思想的艺术家,与即兴创作的旋律(爵士乐队) - 在理想地产生第三州的所有情况下洞察力。有时这种洞察力是通过技术手段实现的。例如,在他的绘画中百老汇Boogie Woogie.(1942年),Piet Mondrian(1872-1944)营造了移动交通的幻觉效果,简单地用黄色和灰色方块,与背景有均匀的(相同水平的亮度) - 因此使感知运动和位置的大脑系统令人困惑。艺术辩证法也可以采取概念性形式:作为审美理论与审美经验的冲突;或者介于知识分子和自发之间;或者介于理性和幻想之间;或者阿波罗神和酒神;或者在客观和主观之间;或者甚至是在意识的外部反映和内在直觉之间。对我来说,两者的冲突艺术技巧可以在Ingmar Bergman的1958电影中看到最尖锐魔术师在那里,人为的胜利。

对许多艺术家来说,他们最想探索的辩证法是人类与神或生命的基本力量的斗争。在希腊神话中,众神非常保护自己的力量。普罗米修斯,一个用粘土创造人类的泰坦巨人,与众神发生了冲突。他从众神那里偷了火带到人间来造福人类。作家奥古斯特·斯特林堡(August Strindberg)将艺术家保罗·高更(Paul Gauguin, 1848-1903)描述为“某种(现代的)泰坦,他嫉妒造物主,在闲暇时间创造自己的小作品……他发誓并蔑视神灵,更喜欢和人群一起看红色的天空,而不是蓝色的天空”(引自《纽约客》)现代艺术理论,赫尔什·奇普,1996年,第89页)。对于这重要的是,在创世纪,上帝本人被描述为一种“成立了地面尘埃的人”的一种Über艺术家,并呼吸到他的鼻孔中的鼻孔;男人成了生活。“我在这里设想上帝,他的脸靠近地球,手指弄脏了肮脏的,肮脏的手指:一个繁忙的雕塑家在室外工作室。在这个色彩缤纷的故事中,上帝创造了,从字面上创造了一个与众不同的世界。

结论

我试图展示艺术与法律合同股份股份股份,并且它在工作,观众和创造者之间强烈和集中的合作中心,产生了以暴虐方式规定思想的命令态度。它在指点之间的混响和意味着,使用与不同意的替换来产生替代,以产生迷人的想法联盟。艺术可以是英文的,或者按预期完全创造。在所有这些感官中,绘画是一个胜利的虚无;音乐是沉默的胜利;电影是静止和黑暗的胜利;雕塑是一个胜利的胜利;艺术一般是一个胜利的现实。

©Greg Stone 2021

格雷格·斯通是波士顿地区的一名媒体顾问艺术商业:来自创意天才的50个教训。他感谢弗兰克·弗莱厄蒂、里奇·怀特和杰克·斯通在编辑方面的帮助。

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