艺术与哲学

从观念艺术到社会艺术

彼得·本森看着这场“艺术运动”,扬起了眉毛。

概念艺术是艺术的艺术方面被认为是驻留在概念本身,而不是任何感官品质(如果它有)。多年来,概念艺术已经形成了当代艺术的主导力量——至少根据画廊、评论家和收藏家的网络,他们决定在当前的艺术生产范围中什么应该被认为是重要的。然而,现在,它开始被一个新的竞争者取代,我建议称之为“社会艺术”。我很快就会解释我的意思。首先,我想考虑一个普遍的问题,即特定的艺术形式是如何崛起的。

艺术制度理论

哲学家们问过这样一个问题:“什么是艺术?”这要追溯到公元前4世纪的柏拉图。但这个问题似乎获得了新的紧迫感,以回应令人困惑的多样性的对象和活动,这些在20世纪被声称拥有“艺术”的地位。

面对这种情况,美国哲学家阿瑟·丹托(Arthur Danto)在1964年写了一篇极具影响力的文章《艺术世界》(the Artworld)。这是艺术的“制度理论”的第一个明确声明,后来由乔治·迪基和其他人进一步发展。丹托在艺术哲学家中是不同寻常的,因为他实际上是感兴趣的在当代艺术。他是画廊的常客,为艺术杂志和哲学写评论。这篇文章的部分灵感来自于那年在纽约马特尔画廊(Stable Gallery)观看安迪·沃霍尔(Andy Warhol)的展览。这是沃霍尔作品的第一次公开展出钢丝球框,现在是美国最具标志性的美国流行艺术。Danto问了明显的问题:安迪沃霍尔的这些“艺术作品”之间的区别是什么,以及超市的储藏室的类似堆盒 - 这不会是,一般来说,被认为是艺术品?他认为,它是周围的“艺术世界”,由批评者,画廊,收藏家,论文,辩论等组成,具有将物体转化为艺术的神奇能力。

我会回到这个理论中的一些问题。但首先,我感兴趣的是这种有影响力的思维方式可能产生的影响。尤其是艺术画廊的主管们,当他们的决定被赋予如此大的权力时,应该感到高兴,这并不奇怪。似乎是他们,而不是艺术家,才是真正的艺术创造者。事实上,制度理论构成了一个逆转关于艺术的早期描述。不是一个物体的内在特性使它成为一件艺术作品,然后被虔诚地放置在一个画廊里供我们沉思,而是机构,突出地代表着画廊,赋予了一个物体的艺术地位。就好像仅仅是把一件物品陈列在画廊里,就能立刻把它提升到艺术的境界。

这种画廊巨大的转变力量的想法似乎影响了许多最近几十年开放的壮观的新艺术画廊的设计。在这些画廊中,最壮观的是伦敦的泰特现代美术馆,它是当代艺术在现代世界中地位的胜利象征,于2000年5月开放,迎接新千年的到来。

进入这座世界上最大的现代和当代艺术建筑,是一种令人不安的体验。穿过门,你会发现自己进入了一个巨大的空间,它原来是这个改造电站的涡轮大厅。机器被搬走了,只留下空间。很明显,它的目的是让游客产生敬畏之情。然而,在这个空间里并没有真正的艺术作品展示,除非在特定的时间,艺术家们被特别委托去创造一个适当的大型装置。要到达任何真正的艺术作品,你必须走过这个广阔空间的一半长度,穿过另一扇门,乘电梯上去两个航班,穿过另一个休息室区域,通过另一组门进入。一个人可能会发现自己在看一件雕塑或一幅画。就好像建筑的纯粹空间优先于任何放置在里面的东西。

这将完全符合艺术的制度理论:它是画廊本身具有辐射性的力量,把任何放置在它里面的东西变成艺术。这种情况赋予了泰特美术馆馆长一种特殊的个人权力,决定什么是艺术,他对选择展示什么负有总体责任。该职位由Nicholas Serota于1988年至2017年担任。他的统治包括监督泰特现代美术馆的重建和开放。

这也是概念艺术在国际上占据主导地位的时期。其中一个迹象就是它在英国艺术年度特纳奖(Turner Prize for British art)的候选名单上的突出地位。该奖项由泰特美术馆管理,泰特美术馆馆长是评委会唯一的常任成员。这个奖项一直吸引着英国媒体的大量关注,这些关注常常是嘲弄和不知情的,极大地影响了公众对当代艺术的看法。尽管如此,特纳奖(以前)每年举办的入围艺术家作品展一直很受欢迎,每年都吸引着泰特美术馆最大的游客群体。

回顾过去,我们或许可以把概念艺术的高潮追溯到2001年,当时马丁·克里德(Martin Creed)凭借题为《透纳奖》(Turner Prize)的作品获得了特纳奖灯开着和关着。这幅画包括了画廊里的一个空房间,里面的灯光确实以五秒钟的间隔开或关。就是这样。什么都没有。2001年,特纳奖变得如此流行,以至于颁奖典礼上由麦当娜(Madonna)颁发。这肯定会引起人们的思考,麦当娜自己的作品是否很容易被认为比马丁奎迪的作品有更大的审美价值。哪一种方式会让你的三分钟时间在艺术上更刺激:看马丁·克里德的灯光开了又关,还是听麦当娜的像处女吗?所谓的“美术”和“大众”艺术之间的脱节似乎已经达到了一个点,后者几乎支持所有的审美品质。

事实上,“美学”这个词,在哲学中使用,最初与艺术没有任何联系。它来源于古希腊语中的“感觉”一词,专门指通过感官感知到的东西。它被用于前艺术的意义上,例如,伊曼努尔·康德在他的纯粹理性批判(1781)。到他的时候批判的判断然而(1790年),康德把它改编成一种对美的判断——尽管仍然不限于艺术。

这段历史揭示了一件艺术作品的特殊“审美”品质(它纯粹的“艺术”品质,而不是它的道德或教育品质)传统上是如何被认为存在于它的感官品质中。然而,随着观念艺术的崛起,美术似乎最终完全脱离了感官领域,留下了这个广阔而吸引人的领域,让通俗艺术占据。当所有丰富的声音和图像被麦当娜巧妙地制作成令人惊叹的音乐视频时——她不被认为有资格获得英国主要的艺术奖——马丁奎迪可以将他的作品简化为纯粹的想法,而这些想法几乎没有必要付诸实践。事实上,在电影和音乐等领域,我们中的大多数人都在寻找审美乐趣。相比之下,去当代艺术画廊就成了一种智力锻炼。

什么是美
美丽是什么?塞西莉亚·Mou, 2021年
图片©Cecilia Mou 2021.要查看更多艺术,请在@MouceciliaArt instagram instagram

向社会艺术的过渡

2017年,尼古拉斯·塞罗塔(Nicholas Serota)辞去泰特美术馆(Tate Modern)总监一职时,泰特现代美术馆(Tate Modern)所推广的艺术几乎已经清除了任何让人分心的感官特质——就像世界各地的主要现代艺术画廊所做的那样。这就导致了人们所说的“没有美学的艺术”。但许多人抱怨说,这些作品有一种空虚的气氛。概念艺术所呈现的“概念”通常不是很有趣。人们很容易在其他地方找到更引人注目、更重要的概念——例如,在现代物理学中;甚至在哲学上也是如此。艺术已经变得空虚——泰特现代美术馆的核心特征是,它提供了巨大的空白空间,授权它把艺术的地位赋予几乎任何东西,这很好地象征着艺术。所以毫不奇怪,会有候选品质来填补那些曾经有可能发现美学元素的空白区域。塞罗塔在泰特美术馆的继任者玛丽亚·巴尔肖(Maria Balshaw)很快就推出了这样一个项目。

巴尔肖上任时,伦敦方面向她提出了要求标准晚报她认为泰特美术馆最重要的功能是什么。她的回答是:“允许社会学习和参与我们想要生活在什么样的国家”(2017年7月4日)。

这句话最引人注目的特点是,单独来看,人们不会知道她说的是一个艺术画廊。可能是任何官方组织。它的官僚化基调体现在第一个短语中:该组织给人们“许可”,这意味着如果它愿意,它可以拒绝这种许可。但也许更重要的是,艺术被认为具有一种特殊的功能,“社会学习”,这与传统意义上的美学无关。这暗示着泰特现代美术馆,作为一个决定什么是艺术的主要机构,现在会根据预期的基础来判断什么应该被列为艺术影响对艺术作品对观众的影响,而不是对作品可能具有的任何内在品质的影响。在这个概念中,艺术具有-和只有有社交功能。

在泰特美术馆自己的杂志2020年夏季版上,泰特美术馆等,一篇关于这些发展的文章将这些成果称为“社会实践艺术”或“社会参与艺术”。我将使用更简单的短语“社会艺术”。到目前为止,巴尔肖担任泰特美术馆馆长期间委托的大多数装置作品都属于这一类。

我想举一个社会艺术的典型例子,叫做三年级该展览由特纳奖得主艺术家史蒂夫·麦奎因设计,并于2019年11月至2021年1月在泰特英国美术馆(Tate Britain)展出(泰特伦敦两栋建筑中较老的一座)(由于冠状病毒感染而中断)。就像许多概念艺术家一样,史蒂夫·麦奎因只是提出了这个想法,然后由泰特美术馆雇佣的一组人执行。

麦奎因的想法是用相同的格式给伦敦每个学校的三年级(7岁)学生拍一张照片,70%的学校同意参加。结果,成百上千的装裱照片——和许多学校每年拍摄的正式班级照片几乎一样——从地板到天花板被安装在位于英国泰特美术馆中心的巨大杜文画廊的墙壁上。这些照片的顺序似乎没有特定的图式,也不是由麦昆本人监督的。我们可能看到的任何图案——比如不同阶层穿着相似颜色的制服——都纯粹是偶然的。作为这个项目的一个重要部分,每个摄影班都被邀请和他们的老师一起参观美术馆,时间是为他们预留的,这样他们就可以在墙上成百上千的照片中找到自己的照片。玛丽亚·巴尔肖谈到这个装置时说,“这可能是我们在泰特英国美术馆展出的最具雄心的艺术作品”(标准晚报2018年9月18日)。策展人卡丽·沃利斯在解释其预期目的时说,她的目标是“让学生们形成一种心态,即他们可以继续实现自己想要的任何目标”(标准晚报2019年11月15日)。

但这是一个非常有启发性的宣言。这个艺术装置的目的是在儿童观众的头脑中植入一种想法,就好像有人在向他们的大脑上传软件。这几乎是承认了这种现代艺术的目的宣传,尽管是一种时髦的变化。他们在这里宣扬的理念是:“你可以实现任何你想要的”——这是一个完全不真实的声明。许多因素,特别是那些社会阶层和生命过程中的意外,很容易阻止大多数人实现他们想要的。

路易·阿尔都塞
路易斯·阿尔都塞,一个真正的抽着烟斗的法国马克思主义知识分子,作者是克林顿·范·英曼
肖像©Clinton Inman 2020 Facebook at Clinton . Inman

那么,为什么这个政府资助的机构希望给孩子灌输错误的观念呢?最简单的回答是:这就是政府机构通常做的。政府机构是法国马克思主义哲学家路易·阿尔都塞(Louis Althusser, 1918-1990)所称的“意识形态的国家机器”(参见他在文集中关于这个题目的文章)列宁和哲学)。

通常,“意识形态”一词指的是一个特定的人所持有的任何一套信念和理论,而不暗示对这些信念的真实性或其他方面的任何判断。正是在这个意义上,人们提到了“基督教意识形态”或“马克思主义意识形态”。但是阿尔都塞对这个词的使用是不同的。在《意识形态国家装置》一书中,他将意识形态定义为“我们的想象与我们真实存在条件的关系”。在这个意义上,意识形态是从来没有对我们情况的准确描述,但恰恰相反,有些东西使任何这样的描述都显得模糊不清歪曲情况。对于Althusser来说,这种歪曲是社会中的职能意识形态。Tate安装的预期尚未虚假消息是这个意义上的意识形态的一个例子。在某人的思想中,他们可以实现他们想要掩盖他们意识的任何东西的想法,这是阻止这种情况的大量因素。这是Althusser,这是思想国家仪器 - 例如公共资助的艺术画廊的作用。

参加社交活动宣传

几乎所有社会艺术的例子都涉及到观众的参与活动,这被认为是部分工作本身,而不是外部。在……的情况下三年级,这个角色是由孩子们摆姿势拍照,然后去画廊找他们的照片挂在墙上。每个孩子都摆好姿势拍照,好像在宣布“这就是我!”,后来发现自己出现在画廊的墙上(“那就是我!”)。自我呈现是高度受限的(“排成一行!对着镜头!”),然后你就可以通过照片(“就是你!”那才是你该去的地方——在那个班!”)。这几乎是阿尔都塞所谓的“质询”的图解式演示。质询指的是每个个体在社会中被适应到一个特定的位置并被引导去接受这个位置的一般过程。阿尔都塞认为,这是意识形态的主要功能之一。在阿尔都塞看来,政治分析的作用应该是揭示意识形态掩盖和歪曲的社会结构,从而放松我们所有人都受到的干扰。

这些观点对20世纪70年代的激进政治艺术家产生了重大影响。我们可以看到,今天的社会艺术有着完全相反的意图,加强了观众对社会领域的干涉。因此,令人惊讶的是,许多评论家三年级声称这是一个政治上进行的工作!许多人指出了照片中儿童的相当大量的多样性 - 这一事实肯定会对伦敦住的任何人感到惊讶。因此,它被视为反对种族主义的陈述。但“种族主义是一件坏事”是不再是一个有争议的声明,即使是,遗憾的是,它尚未完全实现社会意识到。那里很多种族主义者仍然存在。但一般来说,他们不是那些可能正在访问的人,如泰特等公共艺术画廊。这是社交艺术的重要特征,即其消息似乎在诸如“种族主义是坏事”之类的难以诉讼的断言中,似乎是一个常用的形容词,这些作品通常是“挑战”。但是,他们受到挑战的人不会受到挑战,而我们其他人将简单地加强目前的意见。远离批评我们社会中的种族主义,这个装置完全忽视了它。所有种族的孩子在他们学校的所有群体中都被展示在平等的位置上,很明显,事情就是这样应该但这确实意味着种族分裂的现实正在被掩盖。这种模糊标志着这个装置是意识形态在阿尔都塞的意义上,展示了社会艺术可以成为一种官方认可的宣传形式。

每当我们认为某些东西“不是真正的艺术”时,我们就有理由质疑它到底是什么,在这种情况下,它实际上是什么。在概念艺术中,很难找到答案。但就社会艺术而言,“宣传”似乎是一个合理的回答。

巧妙的躲避

艺术制度理论是正确的吗?泰特展出的任何艺术品都是正确的吗必须从定义上来说,就是艺术。我们能够对此提出质疑的事实恰恰证明了制度理论的不足之处。

当亚瑟·丹托决定是画廊本身改变了沃霍尔的作品钢丝球框在艺术方面,他忽视了将这些物品与超市里的盒子区分开来的其他各种特征。首先,沃霍尔的作品盒子都是用胶合板做的,而不是硬纸板,使它们更坚固,寿命更短。另一方面,他们没有实际的空缺。你不能在里面放任何东西。事实上,它们根本不是盒子,就像一幅画中的床不是真正的床一样(正如柏拉图很久以前指出的那样)。他们是一个表示盒子,没有功利主义使用。所有人都能做到这一点,采用传统上被视为有利于审美升值的沉思态度。另一方面,社交艺术要求与我们的参与,而不是思考;订婚,没有脱离。它具有功利主义目标:在观众的思想中诱导特定的态度。

令人高兴的是,没有人会被阻止创作其他类型的艺术,即使他们可能不会得到像泰特美术馆这样的机构的支持。事实上,我们生活在一个艺术生产非常丰富的时代,尽管大多数不是出现在画廊里。尽管官方认可的“艺术”已经去掉了所有的美学方面——最初只留下一个概念,现在只留下意识形态——令人振奋的美学体验并不难找到:只需点击YouTube即可。

马丁·奎迪(Martin Creed)和麦当娜(Madonna)在2001年的奇特相遇,可以被视为一个具有象征意义的时刻。画廊艺术已经开始从审美意义上跌落,而音乐视频已经崛起成为今天的主要艺术表现形式之一。当写21世纪艺术史的时候,重要的名字将会是Billie Eilish、Lana Del Rey和FKA twigs等人,而不是特纳奖的获奖者。

艺术无处不在,但很少出现在画廊里。

©Peter Benson 2021

Peter Benson住在伦敦。他曾经是首都艺术画廊的普通访客,在大流行闭上了他们之前。

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